«На последние вопросы не бывает последних ответов» является репликой масштабной уличной работы, созданной специально для проекта «Хоть стой хоть падай» в Музее стрит-арта в 2019 году, куратором которой выступил Максим Има. Сквозной темой всех произведений на выставке была репрезентация чувства перманентного шока от происходящих вокруг событий, смешанного с многократно повторяющимся вопросом: «А что же дальше?». Причем масштаб событий, на которые реагировали художники, был абсолютно разным: от новостей в ленте социальных сетей до проблем краеведческого уровня. «На последние вопросы не бывает последних ответов» в первую очередь посвящена родному и горячо любимому художником городу — Санкт-Петербургу: «Мой город — музей, при этом такой хреновенький музей».

При создании уличной работы художник использовал только аэрозольные баллоны, а для студийной реплики помимо спрея аим была задействована техника шелкографии на оргалите.


2019
Оргалит, шелкография, аэрозольная краска
68 х 60 см

Одним из наиболее узнаваемых студийных проектов Базелевса является «Дефект всего оригинала», где художник переосмысляет городской ландшафт: «Я делаю чертежи заброшенных или просто замученных домов. Поверх старого чертежа я наношу актуальный. Это проект о полноценном переживании городского пространства — о красоте упадка и разложения». Автор создаёт чертежи в цифровом виде, а затем печатает их при помощи шелкографии.

Представленная работа отражает актуальное состояние печально известного исторического заброшенного здания И. И. Басевича — «символа-клише преступного и умышленного бездействия к культурному наследию города» — который располагается на Большой Пушкарской, д. 7. Автор соединяет актуальную цветную фотографию и черно-белый снимок — фон архивного документа, выявляя тем самым аспект временного наложения.


2023
Бумага, шелкография
70 х 50 см

В 2019 году Алексей Бархан впервые прибегнул к нетипичному художественному медиуму — созданию колоритных изображений на дорожных знаках. Большинство знаков визуально имеют схожую структуру: динамичный персонаж или композиция, внимание к работе с пластикой, осмысление динамики человеческого тела, поиск баланса между его искажением и узнаваемостью, использование абстрактных этнических паттернов, игра с восприятием, внедрение элементов традиционного спорта разных культур и графического дизайна 80-х и 90-х годов.

Произведение «Дорожные работы, осторожно, дети!» содержит множество смысловых узлов. На двух знаках — «Дорожные работы» и «Осторожно, дети!» — размещен персонаж в бейсбольной форме, на груди у которого угадывается старый логотип известного бейсбольного клуба Чикаго Уайт Сокс. Одновременно контуры логотипа перестают быть четкими и размываются, превращаясь в складки спортивной одежды. Традиционная бейсбольная бита заменяется здесь непривычным для рядового зрителя элементом. Позади персонажа по правой стороне Алексей изобразил японскую самурайскую маску мэмпо и шлем.


2022
Металл, фасадная краска
148 х 84 см

Абстрактная работа, цветовым решением отсылающая к уличному периоду творчества автора.

Используя черно-хромовое сочетание в студийных работах, Никита Дусто переосмысляет его, видит в нем новую эстетику: «мне нравится как цвет работает между собой в таких работах», — говорит автор, «и в принципе как линия работает по-особенному».

Такое цветовое решение — базовое для культуры граффити. Почти каждый райтер прошел монохромный этап, в первую очередь ввиду доступности материалов и их низкой стоимости. Однако важно понимать, что хром и мастика способны перекрыть любой цвет и лечь на любую поверхность, что в условиях необходимости быстрого рисования и отсутствия доступных привлекательных площадей становится очень актуальным.


2021
Холст, акрил, аэрозоль, фасадная краска
80 х 60 см

Холст Труна был создан на граффити-фестиваля «Арт-Стена», проходящем в Центре современного искусства имени Сергея Курехина в 2013 году в режиме реального времени. На полотне художник показывает мастерское владение техникой и инструментами, создавая присущий ему деконструированный, разобранный тег. В работе, используя относительно небольшое количество цветов и кэпов, художник добивается динамичного и точного изображения, работая с линией, цветовыми заливками и плоскостями.

Особого внимания заслуживает тот факт, что работа создавалась ограниченное количество времени, без предварительного планирования и в условиях фестиваля, что совершенно не помешало художнику проработать композицию, поработать с объемом и толщиной линии.


2012-2014
Холст, аэрозольная краска
50 х 150 см

Переехав в Санкт-Петербург в 2020 году, A l e s h a заполонил желтыми рисунками весь город. Изначально художник создавал изображения рядом с трещинами в асфальте, у водосточных труб и люков, подчиняясь закону «что посеешь, то и пожнешь», но впоследствии он перешел к более простой тактике нанесения рисунков — начал их размещать повсюду. Ростки создавались в основном ночью, так как дорожной краске требуется порядка 8 часов на полное высыхание. Таким образом, повсеместное размещение желтых рисунков в городское среде сделало их авторским тегом художника, по которому его легко идентифицировать.
Идея реализовывать ростки в студийном формате пришла автору еще в 2021 году. Благодаря твердому пластику работа получилась достаточно крепкой и, что крайне важно для автора, объемной. Абстрактные желтые линии собираются в характерное очертание лица, в условных контурах которого угадывается экзистенциальная погруженность и «усталая» задумчивость, характерная для многих живописных полотен художника.


2023
Пластик, 3D-печать
30 х 30 см

Картина продолжает серию «Flowers series». Здесь возникает мотив, не очень часто встречающийся в творчестве художника — хищное растение венерина мухоловка.

Максим Има использует здесь классическую палитру, которая характерна для работ последних лет. Высокая степень детализации и внимание к графике и тонким нюансам цвета побуждают к рассматриваю.


2021
Холст, темпера, спрей
120 х 90 см

Проект Red People начат в 2007 году, при участии Марии Заборовской. Сам объект представляет из себя модульного антропоморфного персонажа, который способен трансформироваться в рамках своей анатомии, вступать в коммуникацию с другими подобными объектами и различными предметами.

Изначально это был проект о ярком акценте в серой урбанистической среде, но, со временем, добавились новые смыслы и возможности. Первым импульсом к созданию произведения было приглашение от Государственного музея городской скульптуры принять участие в выставке. Андрею Люблинскому хотелось создать некий объект, который можно экспонировать на плоских крышах домов, чтобы его было видно издалека. Брус был использован как недорогой и доступный материал, простой в обработке. Красный цвет выбран как самый яркий, сигнальный. Образ «человечка» сложился в результате использования модульной сетки.


2023
Металл, аэрозольная краска
38 х 10 х 14 см

Работа из серии «Городские легенды» выполнена в смешанной технике — она сочетает в элементы живописи, графики, сграффито, коллажа и работы с трафаретом.

На холсте изображена система Петербургского метрополитена: пять веток нарисованы с помощью трафарета. Местами они затерты, из-за чего создается эффект размытия, своеобразное сфумато. Кроме газетных цитат в этом холсте Супер цитирует еще и девиз самой команды, упомянутый в вырезке статьи выше, нанося его с помощью трафарета. Таким образом, серию обличительных и едкий газетных заметок художник собирает в качестве трофеев, создает из них такой альбом достижений, где разное искусство видимо и заметно. Двусмысленно здесь и название холста — «Городские легенды». Оно может означать истории о неуловимых авторах, о которых пишут в новостях, но кроме этого — сама по себе команда «158» за долгое время своего существования стала легендарной в среде райтеров. И об этом нам рассказывает художник.

Этим холстом Николай Супер, который не был сам по себе «студийным» художником показывает свое владение композицией, аккуратно вплетая в поверхность холста разнофактурные элементы и грамотно размещая их в пространстве.


2020
Холст, смешанная техника
105 х 125 см

«Надпись на заборе» — объемное графическое панно, раскрывающее идею неочевидности явного: «Самые значимые вещи порой могут находиться в самых незначительных местах, но когда мы это понимаем, может быть уже поздно», — отмечает Дима Retro. Автор буквально помещает поговорку на геометрические элементы, напоминающие типовой дачный забор. Ассамбляж состоит из множества отверстий и полостей, которые являются «символом того, за чем скрывается мысль, куда она ведет или, наоборот, откуда исходит».


2022
Фанера, аэрозольная краска
100 x 100 см

По словам Миши Верта, эта работа — плод многих лет его художественных экспериментов.

Последние несколько лет Миша Верт создает полностью абстрактные композиции без фигуративной изобразительности, однако эту работу отличает стремление автора сделать ее живописной и не скованной строгой геометрией. Вместе с тем, содержательная сторона произведения все еще остается на заднем плане, и автор работает преимущественно с колоритом, геометрическими узорами и формами. В абстрактных элементах и красочных мазках «утоплены» орнаменты, которые автор создал при помощи трафаретов. Некоторые элементы выполнены флуоресцентной краской, «разгорающейся» при освещении ультрафиолетом. Холст неравномерно покрыт лаком, отчего работе сообщается дополнительная фактура.


2021
Холст, акрил, эмаль, аэрозольная краска, маркер
100 х 160 см

«Галерея FUTUROminor» — это тактильная копия действующей галереи, совладельцем которой является художник. Работа является продолжением серии уличных работ Ивана Серого «Маленькие миры», которая представляет собой миниатюрные бытовые зарисовки, встроенные в фасады домов.

Когда автор начал сотрудничать с галереей FUTURO, родилась идея создания маленькой галереи, «не такой значительной, как основная», поэтому проект получил пояснение «minor». Представленная работа — копия реального галерейного детища автора. В условных стенах этой работы, как рассказывает автор, «есть много историй, много выставок, и это самое ценное в ней». Дополняет визуальный образ реалистичность воплощения, присущая автору: он размещает сдержанную смотрительницу, детально прорабатывая складки на ее одежде, половицы, которые местами не сходятся, и раскрытая кирпичная кладка, как часто бывает в исторических интерьерах и стойки ограждения и та самая красная ленточка, которая прочно ассоциируется в сознании посетителей с вернисажем или самой концепцией музея, где доступ к произведениям искусства всегда ограничен.


2019
Бетон, дерево, пластик, вибродинамики
65 х 35 х 35 см

«Смена декораций», куда входит работа «Поваленное дерево» — документальное запечатление происходящих в Нижнем Новгороде событий, в котором город становится центральной фигурой.

В «Поваленном дереве», кроме всего прочего, запечатлена одна из важнейших проблем Нижнего Новгорода — разрушение деревянных зданий, зачастую важных и исторических. В этой картине зритель видит, как уже без того обветшалое здание (это можно понять по заколоченным окнам) приходит в совершенный упадок от свалившегося дерева. И, с одной стороны, художник показывает, что человек в этом не виноват, а, с другой, и эту теорию можно опровергнуть.


2018
Дерево, металл, масло
60 х 100 см

«Без названия» входит в серию «Части целого», сформировавшей основной стилистический прием художника.

Познакомившись с серией, зритель может складывать из увиденного единый сюжет, всякий раз находя новые комбинации, как в калейдоскопе. Эта работа связана с темой утраты деревянной старинной архитектуры города. Тема сохранения деревянного зодчества Нижнего Новгорода часто фигурирует в творчестве многих художников этого города, Nomerz не является исключением. В создании панно использовались доски, найденные на месте снесенных деревянных домов.

Как и во всех работах серии «Части целого» линии стройные, лаконичные, а изображенная кисть детализирована. В то же время она легкая, не перегруженная, в ней хорошо чувствуется движение и устремление. Создается ощущение, что рука живая: к ней хочется прикоснуться, удержаться за нее.


2021
Дерево, фанера, акрил, аэрозоль, лак
92 x 43 см

В картине «Реконструкция» нижегородского художника Гоши New соединяется сразу несколько городских проблем: затяжные реконструкции, поджоги исторических зданий, заброшенная архитектура в центре родного города. На профнастиле синего цвета изображен горящий «Дом чекиста» (Дом культуры ГУВД), построенный в 1932 году в стиле конструктивизм и не эксплуатирующийся с 1990-х годов. И именно в тот момент, когда Гоша New решал, что писать, этот памятник архитектуры подожгли (20 октября 2021 года). Синий профнастил выбран неслучайно: с 2008 по 2018 год велась реконструкция Нижне-Волжской набережной в историческом центре Нижнего Новгорода, которая была окружена забором именно синего цвета. «Нижне-Волжская набережная — одно из красивейших мест моего города», — делится автор. Из-за длительных ремонтных работ по всему Нижнему Новгороду город получит прозвище «столица синих заборов».

Этой работой автор поднимает острые городские проблемы, требующие зачастую не только участия городских властей, но и включенности жителей города. Придерживаясь принципа «художник — зеркало своего времени» Гоша New выражает обеспокоенность происходящим в его родном городе.


2022
Профнастил, акри
75 x 60 см

Картина «Подарили деду плазму» входит в серию работ художников «Эх, жизнь».

Название серии создает ощущение ностальгии вперемешку с сожалением. Есть в этом и некая безысходность, мол, «так жизненно, что ничего не изменить». Вся картина — и есть та самая плазма, которую «подарили деду». Однако, несмотря на новизну предмета, по сверху центру зритель видит трещину, напоминающую отверстие от пули. Несоответствие названия и увиденного вызывает смешанные чувства, побуждая к размышлению.

Картина выполнена в классической для художников манере: умышленно упрощенные формы и цветопередача сочетаются с имитацией реалистичности. Авторы не используют светотеневых моделировок и пренебрегают пропорциями, но это все лишь приближает картину к зрителю. Отдельное внимание обращает на себя «паутинка», образовавшаяся из центра трещины, так тонко и искусно прописанная.


2017
Холст, акрил
70 х 100 см

2021
Керамика, глазурь
15 х 15 см

Работа «8 причин любить Нижний Новгород» — эскиз к названию фильма «8 причин полюбить Нижний Новгород», который снимался в 2020 году к 800-летию города. Синий Карандаш был приглашен для создания фильма как художник, ассоциирующийся с Нижним Новгородом, связанный с ним, размышляющий о нем и создающий в городском пространстве работы. В фильме также приняли участие около 100 нижегородцев. Кроме названия художником была выполнена заставка и титры.

Синий Карандаш создал название в своем узнаваемом стиле: синий тон, вытянутый по вертикали шрифт, лаконичный и простой. Такое воплощение отсылает к эстетике советских плакатов и агитационных лозунгов. Примечательно, что для работы автор намеренно не пользуется линейкой, что придает работе некую детскость из-за неровности нижних линий.


2019
Бумага, маркер
29,6 х 41,6 см

«Змий» — не первая работа художника, в которой поднимается проблема памяти и сохранения культурного наследия. И если в других картинах серии, куда входит «Змий», автор рассуждает о Нижнем Новгороде, то здесь речь идет о древнерусской культуре. На сегодняшний день сохранилось не так много примеров древнерусского зодчества, и, как считает автор, «можно долго спорить, какие темные силы виноваты в этом». Воплощением этих сил в картине становится черный змий, уничтожающий деревянную церковь. Образ церкви скорее собирательный, однако прототипом для создания стала сгоревшая церковь в Кондопоге (Карелия), которую автору удалось посетить незадолго до пожара.


2020
Бумага, линер, аэрозоль
68,5 х 98 см

2024
Деревянная рейка, монтажная пена, шпатлёвка, акрил,темпера, лак, металл
72 х 80 х 15 см

Представленный набор матрешек выполнен из дерева. Sad Face использует обычные заготовки без рисунков и собственноручно дополняет их изображениями ликов, которые автор начал транслировать в городском пространстве еще в начале 2010-х годов: «Вообще Sad Face изначально не был грустным. Это лицо человека просветленного, с отрешенным взглядом, как на иконописи. Оно не отражает ни печали, ни радости, просто лицо без эмоций. Матрешка тоже безэмоциональна, у нее даже гендера нет».


2023
Дерево, акрил, маркер, аэрозольная краска

По воспоминаниям художника, гипсовая скульптура — автопортрет дедушки автора — находилась в квартире родителей Besto, которую в 2021 году было решено продать. Так фигура попала в распоряжение художника.

На протяжении многих лет помимо граффити и создания муралов в городе, Besto занимается татуировкой. В представленной работе автору удалось объединить орнаменты и узоры, которые он использует в монументальных росписях с дизайном тела.

Выбор материала и поверхности в студийных произведениях автора нередко зависит от того, насколько удачно в них впишется симметричный орнамент, а в татуировке самым важным зачастую является то, как изображение будет «сидеть» на определенной части тела, поэтому Besto было важно учитывать анатомические аспекты фигуры.


2021
Гипс, аэрозольная краска
17,5 x 18,5 x 35 см

Представленная работа сделана при помощи трафарета, который команда Фрукты Врукты впервые использовала в 2013 году на фестивале «Чистое поле-2», проходившем в тульской области.

В 2013 году основной темой фестиваля был «Оммаж» — работа-подражание другому художнику. Фрукты посвятили свой трафарет сразу нескольким авторам: сам носорог — копия с гравюры Альбрехта Дюрера; также Фрукты указывают на воспоминания Сальвадора Дали из «Дневника одного гения» о том, что он всю жизнь изображает носорожьи рога; концептуальный оммаж на Pasha Barli, уличного художника, который сделал изображение носорога с геометрическими орнаментами на «Чистом поле» за год до Фруктов. 

Студийная версия «Носорога» претерпела формальные трансформации: для минимализма станковой композиции на холсте изображение носорога было изолировано от других элементов, присутствующих в уличной работе. Фрукты Врукты решили самостоятельно приехать из Перми и сделать масштабный холст в Петербурге, а для создания произведения было использовано три слоя трафаретов, при помощи которых художники делали уличную версию.


2023
Холст, аэрозольная краска, трафарет
170 х 235 см

Студийное произведение создано по мотивам уличной работы 2020 года. Ffchw использовал аналогичные трафареты для изображения пожилой женщины, добавив несколько слоев в студийной версии, тем самым придал работе большую детализацию.

В качестве основного технического приема Ffchw использовал трафарет. Поверхностью для трафарета Ffchw послужила ориентированно-стружечная плита — это многослойный лист из древесной стружки, имеющий яркую фактуру. Кроме того, OSB — не конвенциональная, в отличие от холста, поверхность и в большей мере отсылает к поверхностям городской среды.


2021
Осп, аэрозольная краска (8-ми слойный трафарет)
145 х 85 см

Уличная версия представленной работы была создана Александром Жунёвым в 2009 году в Перми на фасаде недостроенного корпуса медицинской академии. Рисунок был размещен на трех плоскостях конструктивистского здания: на ближайшей к дороге поверхности Жунёв изобразил березу — неотъемлемый атрибут, который всплывает в воображении при мысли о поэте Есенине, а темные пятна на дереве напоминают силуэты птиц; на следующей стене автор сделал портрет поэта. Таким образом, при движении вдоль фасада здания создавалось ощущение, будто Есенин выглядывает из-за березы и смотрит на зрителя. В процессе создания мурала Александр узнал, что у поэта близится день рождения — так появилась третья поверхность со строками из стихотворения «Не жалею, не зову, не плачу».


2017
Объект, смешанная техника
120 x 120 см

2017
Холст, акрил
120 х 95 см

«Псалом 26» — своеобразная визуализация части Библии. В картине процитированы первые строки Псалома 26: «Господь — свет мой и спасение мое: кого мне бояться? Господь крепость жизни моей: кого мне страшиться?». Псалом — это поэтическое произведение, но книга Псалтирь не случайно стала частью церковного богослужения. Существует 150 оригинальных Псалмов, самыми известными из которых считаются Псалом 26, Псалом 50 и Псалом 90. Двадцать шестой псалом, наравне с девяностым, читают в минуты и моменты опасности. Псалом 26 был написан Давидом перед его помазанием на царство. И неслучайно художники остановились именно на этом произведении, говоря, что текст — «больше про свет», и именно поэтому шрифт расположился по кругу, напоминая солнце.


2020
Холст, акрил, краска из балона
150 х 150 см

2012
Стальной почтовый ящик, акриловый спрей, цифровая печать, ламинирование, двусторонний скотч
40 × 27 × 7 см

«Ножи в вишнях» — сложная и гармоничная абстрактная композиция, выполнена в технике ассамбляжа. Создание такого рода объектов является неотъемлемой частью творчества Матвея Шапиро. «В работе важно все и ничего», сказал бы зрителю автор, добавив: «У каждого свой ассоциативный ряд, к которому отсылают элементы работы в той или иной степени. Нужно только созерцать». Например, если ссылаться на название работы, то горизонтальная дощечка по центру, наполовину окрашенная в алый цвет, может быть тем самым «ножом в вишнях». Причем скорее всего «вишни» — лишь метафора, скрывающая за собой более драматические переживания.


2015
Фанера, дерево, акрил, пастель (масляная), карандаш (акварельный), клей, лак
101,5 х 70 см

«В красной раме» — одна из работ серии «Ближе друг к другу». Отличительной особенностью серии является наличие у каждой станковой работы уличного аналога, однако эта картина — исключение, без пары. Также «В красной раме» выделяется на фоне других отсутствием у героини лица — в работах автора оно всегда обозначено символически, что является узнаваемой чертой творчества художника.


2018
Фанера, акрил
42,5 х 37 см

2012
ДВП, бумага, шариковая ручка, двусторонний скотч, акриловое стекло
29 x 60 см

Характерный для Кирилла Кто шрифт и способ написания в этой работе приобретает тактильную фактуру и объем в технике ковроткачества. В отличие от большинства работ художника, где мы встречаем разноцветные буквы локальных цветов, этот вручную сотканный ковер выполнен в монохромной гамме.

Художник не раскрывает, кому адресовано это послание. Быть может, это высказывание обращено к любителям современного искусства, которые так часто наделяют работы излишним смыслом только для собственного самоутверждения и чувства сопричастности элитарному обществу. С другой стороны, фраза на этом ковре может быть результатом наблюдения за тенденциями в массовой культуре в целом.


2022
Шерсть, ручная работа
115 х 80 см

«Wandering guardian. Day» — работа о проявлении некоего блуждающего стража из одноименной серии «Wandering guardian». Произведение образует диптих с ночным стражником. По мнению художника, перед нами одно существо в двух ипостасях — дневном и ночном.

«Стража» художник воплотил в виде щитов, защищающих и фильтрующих дневные и ночные события, а также в виде глаза, который обозревает то, что ему открывается.


2021
Холст, акрил
201 х 145 см

В 2020 году Битс решил увековечить своего ключевого персонажа — Жаба. Ни одна иная техника, по словам художника, для этого не подходила: «Граффити на улице быстро закрасят, холст может выцвести или как-то деформироваться, порваться, мозаичная плитка имеет свойство осыпаться со временем. Здесь захотелось как-то продлить жизнь работе максимально, насколько это вообще возможно. И пришло в голову сделать его из натурального камня». Итоговая форма работы обусловлена собирательным образом, возникшим в голове художника. По словам автора, он сразу понимал, что произведение не должно выглядеть как бюст, фигура или скульптурная группа, а скорее напоминать тотем.


2020
Камень
11 х 9 × 9 см

2024
Холст, смешанная техника
145 х 105 см

Скульптура «Синяя птица» — о том, что цифровые технологии, представленные смартфонами, которые сейчас есть практически у каждого человека, приносят не только пользу, но и могут стать губительными. Таким образом, Аске создает скульптуру, где птица разбивает своим клювом экран смартфона, как бы спасая обладателя. Словно Синяя птица из пьесы Мориса Метерлинка, которая спасла от смерти внучку феи.

И птичка, и телефон созданы художником из простых и лаконичных элементов, однако воспринимаются цельно и реалистично. Нужно отметить, что это первый опыт автора в создании тиражной скульптуры и в работе с фаянсом. Изначально Аске разработал прототип скульптуры из фанеры, а затем его знакомые, которые давно занимаются керамикой, изготовили по нему формы для литья и произвели тираж из 24 скульптур из фаянса.


2020
Керамика
22 x 8.5 x 12.5 см

Ассамбляж «D4» — это работа из множества геометрических форм, каждая из которых окрашена в приглушенные пастельные оттенки, что тоже является отличительной чертой творчества автора. Стилизация и упрощение привели художника к тому, что сюжетность в работах уже с трудом угадывается. Однако остаются излюбленные элементы, включая стилизованные глаза, которые будто следят за зрителем.


2022
Фанера, аэрозольная краска
47,5 x 23,5 x 7,3 см

Работа перекликается с уличными произведениями художницы: в легальном и нелегальном поле автор часто создает антропоморфные фигуры животных в локальных цветах.

В основе картины «Соцветие» лежит фотография города, поверх которого Пастухова написала фантастическое существо. Внимательный зритель сможет узнать очертания определенного места в Екатеринбурге, однако сама художница не раскрывает эту тайну. Автор изобразила на холсте своих собак в характерном стиле: «Работа про любовь, очень нежная. Тут мои антропоморфные собаки, любящие друг друга».


2021
Холст, печать, акрил
100 х 130 см

2020
Пластик, лентикулярная печать
28 х 39 см

Екатеринбургский художник Тимофей Радя совместно со своей командой в 2020 году сконструировал и сжег объект «Future» в рамках совместной инициативы Beat Film Festival и «Тинькофф», согласно которой каждый год новый приглашенный художник создает арт-объект специально для фестиваля. Процесс сожжения произведения автор записал на видео, которое опубликовал в своей социальной сети.


2020
Бумага, цифровая печать
60 х 90 см

Для многих работ Риты Хаак характерно обостренное восприятие мира, поэтому, когда «город был одет с ног до головы в серое небо <…> когда чернотой надвигалась депрессия и подошла слишком близко», художница создала уличную серию «Памятник цветам», продолжением которой стали представленные объекты. Цветы выполнены из керамики и покрыты цветной глазурью пастельных тонов. Постоянный поиск художницей новых выразительных форм делает каждый отдельный цветок уникальным и независимым произведением искусства.

Хаак нередко выбирает именно керамику в качестве художественного высказывания: хрупкость этого материала призывает на более глубоком уровне размышлять о значимости жизни. В керамике Хаак также видит альтернативу маленьким картинам, поэтому крепит объекты на вертикальные поверхности. Сложность и трудоемкость создания таких объектов, отказ от использования готовых гипсовых форм придают цветам дополнительную символическую ценность, превращая их в «настоящие драгоценности».


2023
Керамика, глазурь

2021
Бумага, цветная печать
35 х 55 см

2019
Холст, акрил, аэрозольная краска, лак
90 х 110 см

2024
Бумага, тушь, линер, уголь, наклейки
40 х 50 см

Произведение представляет из себя звезду, закрепленную в центре обгоревшего кратера, некий итог падения звезды, её окончательное приземление. Звезда — один из любимых образов в работах художника, к которому он постоянно обращается еще с 2010-х годов. Она выполнена из латуни, которая немного блестит на свету, как звезда на небе. Кратер полностью создан из дерева. Чтобы придать ему ощущение естественной обгоревшей впадины, художник использовал технику обжига дерева с маслом, чтобы фон приобрёл «максимальную черноту и состояние «некой обугленности».

Основную массу деревянного кратера художник выбивал вручную, резцом, после чего обрабатывал дерево, используя шлиф-машинку, наждачную бумаги и шлифовальную насадку на дрель. Дерево как материал занимает особое место в инструментарии Сёмыча.


2024
Дерево, обжиг, латунь, льняное масло
21,3 х 21,7 х 4 см

Представленная работа является повторением арт-объекта, который был создан в рамках музейной ночи «Площади Мира» (2017 год), когда художник получил возможность разместить своих «зверей» как внутри музея, так и вокруг него: «В один момент я увидел рядом с нашим музеем брусчатку, из которой кусок был выбит. Я подумал, что бы туда разместить? Может быть, червя из „Дюны“? Нет, думаю, червь некрасивый. Потом решил, что надо из известного чешского мультика крота разместить». Крот, выполненный из пенопласта, стал символом разрушения и трансформации городской среды — он словно проломил брусчатку, тем самым создавая эффект неожиданности и провокации.


2024
Пенопласт, акрил, брусчатка
95 х 85 х 70 см

Работа «Сияние» входит в серию «Рентген», в которой художница рефлексирует на тему хрупкости человеческого тела. В первую очередь хрупкостью костей, на которые человек опирается, но которые в любой момент могут сломаться драматично изменив ход его жизни.

Цианотипия, в которой выполнена работа, имеющая характерный синий оттенок, сама по себе рифмуется с рентгеновскими снимками. Отпечаток расшит бисером, благодаря которому поддерживается образ магического мышления, сохраняя некое волшебство. Несмотря на что человек научился не разрезая плоть видеть, что внутри, он всё ещё стремится почувствовать себя частью большего, частью Космоса, частью Вселенной. С другой стороны хрупкий стеклянный бисер — это хрупкие кости. Одновременно свечение — рентгеновские лучи, которые поблескивая дают нам эту картинку.


2024
Ткань, цианотипия, вышивка, бисер
23 х 31 см

«Многослойный лес» первая акварельная работа художника в лесной теме. В этой работе автор хотел с одной стороны передать многослойность леса, а с другой стороны поиграть с восприятием рисунка, в котором силуэт переходит, как бы перетекает в контрформу. Вкладывая также смысл некоего продолжения истории изображения суровой природы в сибирской живописи, демонстрируя новый авторский взгляд.


2017
Бумага, акварель, маркер, линер
42 х 27,5 см

В представленной работе художником были использованы найденные элементы облицовки панельного дома — широко распространённого типового жилья на всём постсоветском пространстве.

За формальную и концептуальную основу объекта взяты пропорции кубика Рубика с модулем 3×3. Таким образом, «Основательность» внешне становится похожей на функциональный предмет, который, тем не менее, использовать невозможно. Это перекликается и с образом послевоенного социального жилья, когда застройка городов производилась в экстремально сжатые сроки. Так бетонный объект становится собирательным образом этого градостроительного и культурного явления.


2020
Стекло, бетон
8,5 х 8,5 х 8,5 см

Изображение обнаженных женских тел стало лейтмотивом творчества автора. Художник стремится показать, как тело может оказывать гипнотический или шокирующий эффект, усиливая впечатление от форм, но избегая вульгарности.

«Санта Барбара» проникнута летним настроением, в работе чувствуется отсылка к Венерам Палеолита — доисторических статуэток тучных женщин — которые эксплицитно угадываются во множестве произведений Азбуниака.

Важным в работе для автора остается ее независимость как живописного феномена. Художник предпочитает, чтобы живопись говорила со зрителем на своем языке, не подчиняясь жестким смысловым рамкам. По мнению Азбуниака стилистические и тематические нагрузки могут сделать работу вторичной, превращая ее в иллюстрацию.


2022
Двп, аэрозольная краска, строительный мелок
47 х 36 см

«Икона» выполнена в технике панно, в которой автор работает с 2022 года. Четырехчастная композиция произведения, имеет отсылки к жанру иконописи «Житие Святых» — каноничным произведениям, где помимо изображения в центре композиции святого, также присутствуют сюжеты, иллюстрирующие события его Жития, деяния и чудеса. В своей «Иконе» художник изображает только житие — жизнь в Сибири, оставляя пространство в центре пустым.


2024
Фанера, аэрозольная краска, лазерная резка, клей
100 х 100 см

Иван Усякин начинал свой творческий путь как граффити-райтер, но очень быстро вышел за пределы субкультурного граффити. При этом чаще всего его работы на улице — это куски, с изображением собственного никнейма, который есть и в этой работе, но, чтобы его прочесть, нужно долго и внимательно всматриваться в форму. Иван всегда вводил в работы нестандартные визуальные эффекты и специфичные ракурсы. Эти принципы ярче всего проявились в этом эскизе. Они же нашли своё отражение в последующей работе на улице.


2009
Бумага, карандаш, линер
10,2 х 20,2 см

Изображение на трафарете является отсылкой к гербу Красноярска, а ее название — к популярным названиям городских пабликов: «Изначально это была пародия на паблики „Я живу в …“. В городе участились насильственные смерти, и я создал изображение-антипод этим пабликам. Это была его аватарка». В процессе размышлений о произведении автор пришел к выводу, что важнее не то, «где ты родился, а где ты умер»: «Потому что первое от нас не зависит, а второе мы вольны выбирать сами. По велению сердца». Это повлияло на формирование текстового высказывания на трафарете, а также на изображение скелета, являющегося универсальным символом концепции «memento mori».


2015
Бумага, акрил, нитроэмаль
42 х 30 см

В процессе создания серии «Части целого» Юрий Аверин использовал автоматическое письмо и линейную графику, создавая маленькие эскизы темперой. Эти завершенные миниатюры стали основой для более крупных композиций, в которых художник экспериментировал с цветом и формой. Каждый цвет в работе не просто добавляет ей визуальную привлекательность, но и обладает своей художественной силой. Сочетая их, автор стремился создать гармоничное целое, где каждая часть может существовать независимо, сохраняя свою значимость: «Я стремился показать, что в каждом слое и каждой форме заложен потенциал для самостоятельного существования, что делает каждую часть значимой в контексте общего целого».


2022
Холст, акрил
150 х 150 см

«Кирпич 1» — работа из серии «Артефакты самоизоляции», которую можно назвать документированием пандемийного 2020-го года. Автор пытался мумифицировать современное состояние для будущих поколений, создавая такие скульптуры.

А этой работе представлены непосредственно артефакты самоизоляции. Внизу зритель видит имитацию дома как основного места пребывания всех людей во время карантина. В верхней части размещена информационная плашка, «которая переходит из онлайна в офлайн».


2020
Кирпич силикатный, прямая УФ-печать, акриловый лак, клей двухкомпонентный полиуритановый
12 х 25 х 26.5 см

«Кроссовки» — поистине ностальгическая работа: о взрослении, уличном искусстве и творчестве. Как рассказывает художник, Nike Airmax1 — это первые оригинальные кроссовки, которые он смог себе позволить, поскольку его семья жила небогато. В это же время Nike уже стала «фирмой уличного искусства», по крайней мере среди самарских художников 2010-х годов. Таким образом, Свет создал работу, соединяющую в себе теплые и светлые воспоминания: «Картина ради памяти», — говорит автор.


2021
Холст, акрил, аэрозоль
50 х 40 см

Работа «Березки» является частью серии «Единороги Поволжья». На создание картин художник вдохновился в 2020 году в старом краеведческом музее в Самаре, где на входе стоят скелет шерстистого носорога.

В серии художник изображает единорогов в различных пейзажах. Изображенный на холсте единорог словно пришел из компьютерной игры: линии резкие, четкие, цвета яркие, гипертрофированные и очень контрастные. Нарочитая живописность и даже пастозность исполнения единорога контрастирует с графичным и очень условны изображением листвы берез на втором плане. Художник не раскрывает замысел каждой работы, предлагая зрителю самостоятельно интерпретировать увиденное.


2021
Холст, акрил
81 х 120,5 см

Свои произведения Олег Захаркин создает методом «ситуационного реализма», который автор придумал совместно с самарским куратором и искусствоведом Константином Зацепиным. Олег Захаркин динамично наносит на холст краски до тех пор, пока не начнет видеть в цветовом сочетании образы, которые художник тонко подмечает при помощи пастельных мелков. Так, в его произведениях живописные принципы соединяются с графическими элементами.


2021
Холст, акрил, пастель, русский соус, лак
90,7 х 65,5 см

Работа «Слой за слоем» — вторая в негласной серии работ, посвященных жизненным этапам. В них художник визуализирует развитие человеческого существования. И если первая работа «Слой» была об этапах, присущих каждому (временных, социальных), то это панно — об уличных художниках и Арт Абстрактове.

Арт Абстрактов словно показывает путь классического художника уличной волны: самым нижним слоем являются тэги, с которых начинают почти все уличные художники, а наверху — абстрактная экспрессия, к которой сейчас перешел автор. Причем тэги уже и не видны под слоями краски, а узнать о них зритель можно только из комментариев.


2020
Шпон, аэрозль, акрил
150 х 50 см

В городе и в студии Клаус нередко создает произведения, навеянные популярной культурой. В этом произведении мировоззрение художника балансирует между двумя позициями. С одной стороны, в работе явно прослеживается ироничное отношение к фигуре Карла Маркса, портрет которого свидетельствует о том, что идеолог коммунизма поступился собственными принципами в угоду капиталистическому изобилию и рыночным отношениям. С другой стороны, по словам автора, в произведении предполагается концептуальная регенерация Маркса, но уже в современном изводе.


2020
Холст, акрил
110 х 80 см

«Зловещая шестерка паука» — это ретроспектива к мультсериалу «Человек-паук» 1993 года. Картина Spater напоминает забор или стену на улицах города, где граффити-райтеры оставляют свои работы поверх других — в субкультуре такие места именуются «hall of fame». Так получается яркая многосоставная композиция, каждый объект которой приковывает внимание и требует отдельного рассмотрения. В то же время «Зловещая шестерка паука» систематизирована: холст разделен на четыре части-яруса, тексты написаны параллельно друг другу, в каждой строчке свой замысел.


2020
Холст, акрил, акриловый маркер
71,3 х 71,3 см

Михаил Качикаракис нередко создает свои произведения в цифровой и пост-цифровой эстетике, в этой работе, используя глич-эффекты, характерные для компьютерной эпохи, автор ссылается на известное изображение Джоконды кисти Леонардо да Винчи. Художник иронично обыгрывает значение слов «моно» и «стерео», превращая «моно» Лизу да Винчи в свою собственную многоголосную, стерео-версию.


2021
Фанера, бумага, акрил, паталь, лак
83,7 х 59,6 см

Эту работу художник воплотил в необычной и фантасмагоричной стилистике, напоминающей ночные сновидения, где части тел причудливо переплетаются между собой, а один образ является концом и одновременно началом другого. Работа удачно встраивается в изобразительные каноны начала 20-го века: разномасштабные фигуры в странных конфигурациях напоминают творчество художников-сюрреалистов, яркие цветовые решения — дань уважения фовизму, а геометрические фигуры, из которых конструируются все образы, отсылают к практикам кубистов. При этом произведение Шипы наполнено узнаваемыми элементами его творчества: графичные росчерки и цветовые пятна позади женской фигуры отсылают ко множеству других уличных и студийных произведений автора, в которых подобные колористические поля выступают в качестве фона; цветы тоже являются частым визуальным паттерном в творческой практике Шипы, потому что этот образ несет в себе символику добра, которого так не хватает в современном мире; на заднем плане художник также оставил свой тег, который на протяжении многих лет транслирует в городском пространстве.

2023
Холст, акрил, аэрозольная краска, пастель
94 х 140 см

2019
МДФ, акрил
61,3 x 45 см

В произведении проявляется архитектурное мышление автора, которое позволяет ему обратиться к пространственному расположению объектов и отразить несколько углов зрения. Работа содержит реальные объекты городской инфраструктуры, дополненные авторским воображением. В нижней части произведения можно найти текст с обрывочным содержанием, который невозможно прочитать: «Этот прием напоминает уличные плакаты, когда старые изображения сдирают, а новые наклеивают поверх них. Я хотел, чтобы текст никто не прочитал». К городской эстетике отсылают и шрифтовые композиции с псевдонимом автора, которые он тиражирует в Архангельске до сих пор.


2021
Бумага, фломастеры, линер
60 x 70 см

3C 273 — название ярчайшего астрономического объекта в созвездии Дева. Считается первым явлением, идентифицированным в качестве квазара. Квазар — это сверхмассивная черная дыра, находящаяся в центрах больших галактик. Именно это явление стало отправной концептуальной задумкой для оптического произведения Grego. Квазар имеет характерный диск в центре, из которого в противоположные стороны выходят радиоизлучения, поглощающие окружающее вещество. Оптические приемы в картине позволяют ощутить динамику астрологического объекта, являющегося маяком Вселенной, так как квазары видно с огромных расстояний.


2024
МДФ, аэрозольная краска
83 x 83 см

Произведение «Среди никого» продолжает масштабный проект El Kartoon, исследующий идентичность человека в современном мире.

В центральной фигуре произведения использован металл, найденный в Филинской бухте — месте в Калининградской области, тесно связанном с локальной идентичностью. El Kartoon подчеркивает связь с контекстом города, нередко используя найденные или характерные для ландшафта объекты. Металл, использованный при создании произведения, был найден еще в 2015 году и хранился девять лет, подвергаясь процессу окисления. Художник экспериментирует с металлом, используя как естественное старение, так и химические реакции. Производство самой работы заняло три недели, но процесс её создания был значительно дольше. Для El Kartoon важно, чтобы форма соответствовала содержанию, а работа рождалась естественным путем, соответствуя задумке автора.


2024
Дерево, металл, кислота, каучук, акрил
115 х 98 см

Произведение «У стен есть глаза» из серии «Взгляды» стало первым объектом, в котором Маргарита обратилась к теме глаз. Оно было создано в 2020 году и представляет собой кирпич, на котором художница в самобытной живописной манере нарисовала глаза человека. Позднее к теме художница стала обращаться и в холстах, и в работе со стеклом.

Идея работы раскрывается в ее названии «У стен есть глаза». Как говорит сама художница, это произведение о том, что находясь в любом пространстве, нужно быть чутким к среде — и с одной стороны, не вредить территории, а с другой — уметь слышать, потому что «стены все видят и все знают. Они могут рассказать зрителю что-то о предыдущих жильцах, о предыдущих хозяевах, поделиться опытом».


2020
Кирпич, акрил
12 х 25 х 9 см

Серия состоит из работ, в которых художник изображает своих персонажей — улыбающихся, добрых, позитивных существ, с помощью которых, как говорит сам автор, он привносит в мир нечто позитивное и эстетически приятное. Главная суть и тематика этих картин — изображение «добряков», населяющих выдуманную художником вселенную. В ней несколько ключевых персонажей, которые взаимодействуют друг с другом, попадают в приключения и адаптируются в различных контекстах. Так как во вселенной художника периодически появляются новые персонажи, у НАКа есть практика периодически собирать всех героев на одном холсте — так существует «пронумерованная» серия, к которой и относится произведение «Девятка 2.0».

Это произведение выполнено акрилом на фанере — НАК работает в этой технике уже около трех лет. Как отмечает художник, больше всего ему нравится эффект, который произведения производят на аудиторию. Важным элементом работы является также её оформление, отмечает художник. Боковая рамка, сделанная из реек, тоже является результатом работы самого художника и дополняет картину.


2024
Фанера, акрил
80 х 80 см

Произведение «Остановка» представляет собой монументальную черно-белую живопись, созданную в характерной для художника манере. В ней сочетаются элементы соцреализма, гиперреализма и эстетики глитча, что формирует особую визуальную среду, где реальность преломляется и искажается.

Работа представляет собой собирательный пейзаж, созданный путем коллажирования различных архитектурных элементов и персонажей. Композиция объединяет в себе несколько временных пластов: здесь можно увидеть советские хрущевки, снесенный ларек символизирующую уходящую эпоху, зимний городской пейзаж с пенсионерками, провинциальной разрухой, а вдалеке — очертания немецкой кирхи, как часть Калининградского ландшафта.


2020
Оргалит, фасадная краска
150 х 200 см

Произведение каллиграфа Cultural выполнено в характерной для него манере. Как говорит художник, его стиль выработался на стыке обращения к готическим мотивам, леттерингу и кириллической вязи.

Эта работа является частью двухлетней серии «Метаморфозы» — своеобразного дневника художника. В серии Культураль обращается в холсту как к способу зафиксировать и рассказать о своем состоянии, переживаниях и эмоциональных моментах определенного периода времени. Все холсты серии едины по размеру — это круглые полотна размером 60 см. Сначала Культураль планировал делать их один раз в месяц, позднее — раз в 2−3 месяца. На настоящий момент в серии 10 холстов, она продолжается до сих пор. Произведение «Темнота снаружи» является третьим произведением, созданным в рамках проекта «Метаморфозы».


2023
Холст, акрил, аэрозольная краска, чернила (спиртовые), лак

«Horse № 1» — работа, которая является для художника символом перемен и необходимости двигаться вперед.

Лошадь выполнена крайне эмоционально: на локальном фоне лошадь воспринимается как внезапное вторжение в идеальную ровность фона. Это выражается в качестве мазка: пастозном, объемном, отчасти неаккуратным. При этом художник стремился соблюсти реалистичные пропорции и формы. В то же время тень от лошади — контрастно спокойная, «неживая». Контрастность фона и кадрированность портрета отсылает к эстетике шелкографий Энди Уохорла. Однако стерильность и глянцевость произведений американского художника здесь противопоставляется энергией и эмоциональностью ворвавшегося в пространство холста коня.


2022
Холст, масло, спрей
100 х 100 см

Представленная работа является эскизом к реализованной монументальной росписи в Нижнем Новгороде на фестивале «Место» в 2020 году, которая до сих пор находится в городе.

Изображение посвящено теме крупнейшей в Российской империи нижегородской ярмарки, которая просуществовала до начала 20 века. Уличный вариант произведения расположен позади главного Ярмарочного дома. На эскизе представлен собирательный образ восточной женщины-торговки, которая окружена предметами и не сохранившейся архитектуры, характерной для нижегородской ярмарки. Внизу изображения можно заметить волны — это смысловой элемент, который художник наделяет двумя константами: с одной стороны, все состоит из воды, это первооснова, поэтому данный элемент нередко фигурирует в творчестве автора; а с другой — нижегородская ярмарка находилась в низине, отчего территорию периодически затапливало. Также на работе присутствует утюг — это гиперссылка на предыдущие работы художника.


2020
Дерево, смешанная техника
90,5 х 63 см

На представленной графике изображен логотип фестиваля «Один за всех», создателем которого является Григорий Шаров. Занимаясь уличным искусством в Братске, художник однажды ощутил изоляцию от остального мира и чувство одиночества, так как фактически он один делал стрит-арт в городе. Тогда Шаров принял решение, что нужно сделать фестиваль. Специфика фестиваля состоит в том, что Григорий Шаров, используя эскизы других художников и оставляя за ними авторские права, реализует работы на стенах Братска.

Единица, изображенная на работе, отсылает не только к названию фестиваля, но и намекает на то, что художник всегда остается один на один с улицей.


2023
Бумага, высокая печать, масло
79,8 x 60 см